從文藝復興到伸展台:時尚的故事還沒講完,但暫時講到這兒|cacao 可口

由演員蒂妲.史雲頓(Tilda Swinton)攜手時尚歷史學家奧利維亞.薩亞(Olivier Saillard)共創的舞台作品《親愛的帕索里尼》,重新開箱義大利名導,皮耶.保羅.帕索里尼過去曾在電影裡使用過的戲服。

在史雲頓與電影文本顯有深刻互文的表演間,戲服重新獲得了它的呼吸及重量。與其稱史雲頓重新為文物賦予生命,不如說這整件作品點出一個殘酷的事實,這些服裝無論如何悉心織造,一旦脫離語境便成了標本,只有在極罕見的情況下才會重現世人眼前。

戲服尚且需要如此鄭重對待,遑論那些更嬌貴的時尚高級訂製服。可不是所有策展人都有幸邀請史雲頓來一場低限對話。

美國克利夫蘭藝術博物館給的答案相對簡單:那我們就用 AI 吧。

在過去幾年裡,時尚儼然已在博物館界登堂入室。2017 年,紐約現代藝術博物館(MoMA)睽違 73 年再次舉辦時尚專題展「時尚現代嗎?」(Items: Is Fashion Modern?);2018 年大都會藝術博物館的「聖體:時尚與天主教意象」(Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination)打破該館參觀紀錄;甚至連羅浮宮也於 2025 年推出了首次大型時裝展「羅浮高訂.藝術與時尚」(Louvre Couture. Art and Fashion: Statement Pieces)。

美國克利夫蘭藝術博物館(Cleveland Museum of Art)的首位時尚策展人利斯比(Darnell-Jamal Lisby)所策劃的「從文藝復興到伸展台」(Renaissance to Runway: The Enduring Italian Houses)便將Gucci、Versace 與 Moncler 等品牌,與 15 至 17 世紀的藝術品並列,剖析義大利時裝設計如何從當地的文化遺產汲取靈感。

然而若只是將衣服與畫作擺在一塊兒,那恐怕是略顯單調。期待展現服裝的動態美感,克利夫蘭藝術博物館遂與義大利導演卡羅齊尼(Francesco Carrozzini)、數位藝術家亨利.哈格里夫斯(Henry Hargreaves)合作,讓這一屋子精緻在虛擬的時空裡重新展示其擺動及光澤。

「我們不會為了技術而使用技術。」該館的數位資訊長簡.亞歷山大(Jane Alexander)強調,「唯有當技術能解決問題、讓藝術更平易近人時,它才具備意義。」

Photo via fashionista

利斯比考察了昔日的時尚,並以視覺化的方式,呈現當代設計師如何借鑒並誇張化古代風格。展場中最醒目的焦點, 莫過於皮耶保羅·皮喬利(Pierpaolo Piccioli)於2018年為Moncler 打造的系列。這件亮黃色的飄逸外套裙,其靈感直接溯源至文藝復興早期的宗教繪畫。

皮喬利捨棄滑雪服常見的運動感,但仍以羽絨外套追求純粹造型,他利用誇張的色彩與層疊的長裙廓形,呼應了聖母像的宗教莊嚴感。這套作品是高級訂製的細膩與機能材質的結合,實現了一種全身覆蓋、宛如儀式的視覺效果。

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藉由研究文藝復興時期貴族男性的肖像畫,利斯比領略到那種近乎自大的傲慢氣息,實際上與當代義大利時裝秀上的浮華不謀而合。在那些畫作裡,人物往往藉華麗且結構複雜的服飾形塑派頭,為了體現這樣的氣場,「從文藝復興到伸展台」展示了格倫.馬滕斯(Glenn Martens)為 Diesel 2022 秋冬系列設計的做舊牛仔皮草大衣。

該件大衣是馬滕斯入主 Diesel 後首場時裝秀的亮點,將粗獷的牛仔布料重新詮釋,模仿奢華皮草的蓬鬆與份量感。值得玩味的是,儘管馬滕斯宣稱牛仔布料是自信與反叛的象徵,這件作品卻完美對應了昔時貴族對於「體積=權威」公式的迷戀。也許透過服裝宣示穿戴者的氣派,即使去到世界末日都不會退流行。

圖左《女子肖像》(Portrait of a Woman),約 1550 年 阿尼奧洛.布龍齊諾(Agnolo Bronzino) 直式油畫。圖右,2015 秋季系列套裝 艾爾伯塔.費雷蒂(Alberta Ferretti)。Photo via clevelandart.org
圖右黃金項鍊配絲繩(鑲嵌紅玉髓浮雕、紅寶石與鑽石),約 1984 年 寶格麗(Bulgari)。圖右,Violante 墜飾胸針,2007 年 吉安馬里亞.布切拉提(Gianmaria Buccellati)。Photo via clevelandart.org
圖左,2024 春季系列晚禮服與翅膀,尼古拉.布羅尼亞諾(Nicola Brognano),Blumarine。圖右,2018 春季高級訂製禮服(為布蕾克.萊芙莉設計) 唐娜特拉.凡賽斯(Donatella Versace),凡賽斯(Versace)。Photo via clevelandart.org
1989 年禮服,羅伯托.卡普奇(Roberto Capucci)。Photo via clevelandart.org
2018 秋冬系列,Giorgio Armani Privé 高級訂製服 喬治.亞曼尼(Giorgio Armani)。Photo via clevelandart.org

圍繞在「從文藝復興到伸展台」最有趣——也不那麼讓人意外的議論,是關於AI的應用,且遠不只是合法授權與否的問題。

實際上,運用 AI 生成影像讓這些無法穿著的服裝重新「動」起來,是讓演算法去學習數世紀以前,以及當前的時裝模特兒的姿態,模擬各個時代的人們如何移動、如何展示自己,如何透過服裝宣示權力與品味。

它實際上是在學習一種身體語言。這進一步引發一個大哉問:當我們以數位技術「使用」一件無法再被使用的物品,我們訴求的是什麼?物件本身的物質性?物件在文化脈絡中的象徵性意義?或只是抓眼球的噱頭?

也許AI可以生成動態、光影極其自然的影片,但我們知道那是分析成千上萬張文藝復興畫作、上萬段走秀影片的成果。它知道怎麼樣的姿態可以讓影片裡的人物看來謙卑或不可一世,但真正令它們活色生香的,是我們對於歷史與過去的對話與投射。

AI 做的不是還原,而是在當代語境中重新演繹權力的視覺語言,那可能失真,畢竟我們能檢驗孰真孰偽的資料如此之少——然而文明正是如此延續下來的。

如同策展人那個精妙的譬喻,這個展覽是個分號,「它尚未完成,但暫時完整。」

分號意味停頓,但不是終結;意味延續,但保留開放性。時尚的故事還沒講完,而是暫時講到這兒。

整理報導:康樂