日常生活中，對於噪音我們唯恐避之不及，在傳統音樂中噪音也被視為不受歡迎的闖入者，但在20世紀的未來主義藝術思潮中，義大利畫家盧梭羅（Luigi Russolo）提出未來主義是否可以應用在音樂上，為什麼音樂也不能進入現代？打破過去的形式主義結構，走向更現代化的技術與方向。他在1913年發表《噪音藝術》（The Art of Noise） 宣言，將爆破聲、汽車鳴笛聲、低語聲、尖叫聲等日常生活中的眾多噪音納入了音樂系統中，他的理論深深影響後代的先鋒音樂。
在《噪音藝術》宣言中說道：在19世紀新的音樂器材被發明時，噪音就誕生了……作品以各種奇怪樂器如水流聲器（gurglers）、碎音器（shatters）、鋒音器（buzzers）等創造出暗示著街道上瀰漫的聲音。盧索羅闡述了一種新的噪音音樂，他認為，噪音攜帶著生命的無規則進入我們的耳中，卻常常帶來無數的驚喜。所以，人們可以通過對噪聲進行選擇和控制，使聽覺世界變得更加豐富。與此同時，他還製造出了一種新的樂器intonarumori（噪音生成器）。
魯索羅的理論得到了一些大師的支持，也深深地影響了先鋒音樂。美國音樂家約翰．凱奇（John Cage）從中得到啟發，在1952年創作發表了作品《4分33秒》。因為它是一首完全無聲的樂曲，是約翰.凱奇對實驗音樂的探索，也是環境音樂 (Ambient)之始的作品。
韓國錄像藝術之父白南準（Nam June Paik）早期偶然受到約翰．凱奇的影響，讓他對音樂中的偶發性和非確定性產生了興趣。作品《Random Access》中將噪音和聲響進行完美組合，觀眾可以自由操作這部裝置作品，在過程中出現的破碎的聲音、不精準的磁帶讀取過程等聲音，都製造出了一種不確定的效果。
1883年出生的現代音樂前衛作曲家瓦列茲（Edgard Varese），在那個沒有電子樂器的時代，就開始自製器材，他的樂器發出的聲音如哭泣般令人難以接受，這名為「電離」（Ionisation）的作品剛一問世，卻遭到世人的恥笑，認為是噪音。然而上述的背後，解放音樂的概念卻如此吸引人，以至於每個時代皆有創新之變。
進入80、90年代，實驗音樂有些流派的日本樂手，運用一堆效果器製造出激烈、嘈雜的噪音風格，延續到美國；而歐洲系統的電子原音（Electro-acoustic）、聲音拼貼、電子音樂、電腦音樂、實驗音樂、噪音音樂、聲音表演等聲音藝術流派。目前，微波（macrowave sound）或者靜電聲音(static sound)成為全球實驗音樂當道的新趨勢，如：德國的Carsten Nicolai、美國的Kim Cascone、日本的池田亮司等等。
日本藝術家池田亮司（Ryoji Ikeda）從未放棄那些讓人無法容忍的聲音。他使用正弦波、白噪音、干擾信號等元素製作聲音，並在其中加入不同尋常的聲波形式，使噪音變得有視覺感。作品中，就連古典樂器也以像素、色溫、正弦波等元素出現。他讓聲音有了異乎尋常的幾何美感和純淨的美態。
除了被製成可視的作品，藝術家們還使用噪音引發人們對於生活的思考。法國藝術家Christian Boltanski 收集了全球十萬人的心跳聲，在博物館的電腦螢幕上，你可以看見這些心跳所有者的信息：名字，錄音日期，來自哪個國家，哪座城市。而通過簡單的戴上耳機的動作，你可能就與這個星球上，與你毫不相關的人，建立了一種奇妙的聯繫：我聽過你的心跳，在你的心跳背景下，我們神奇的會面了。
在台灣也有不少以噪音藝術為出發的藝術家。王福瑞當時開始在舊金山進行一系列的聲音實驗創作，1997年回國之後，他將聲音的藝術實驗過渡至台灣藝壇，透過數位音頻與裝置藝術的結合以及現場的表演，振響台灣原本微弱的聲音創作，在數位訊號的脈韻中，讓創作的聲波不斷向外拓延。
噪音雖然在生活中時常被厭惡，但在藝術家手中卻成為創作元素和靈感來源，這些創作使得噪音有了不同尋常的美和延伸。
▌整理報導：Bohe H.
