2026 年，藝術家該如何在體制與市場中立足？相信這是許多從事創作者關切的問題。
我們有一個好消息和壞消息。好消息是，藝術圈對身分議題依然感興趣，那些非憑個人一己意願被擺上的人生位置——遷移、離散、斷裂、歸屬；壞消息是，機構策展人越來越偏愛有一定技術門檻，以及以長期研究為基礎的系列作品。
眼尖的你一定還留意到關鍵字「系列」作品。本篇文章將為讀者精選五位藝術家，有人以遊戲引擎建構後人類生態系統，有人則在工業殘骸及有毒廢棄物間，臆想當下世界的積弊；其他人則在日漸飽和的身份論述中掙扎，試圖以攝影，甚至繪畫此一更古老的媒介殺出重圍。
當提供視覺刺激、再現世界的策略失效，藝術家還能如何生存？以下是五位新興藝術家給出的答案。
Eunjo Lee
採用遊戲引擎建構生態敘事，在近年當代藝術圈中可謂顯學。儘管我們無法宣稱再現真實的創作已然落伍，但「創世」（World-building）在2026年很可能會成為各大策展機構矚目的焦點，無論是詩意或是批判，那都提供了實踐框架。
李恩珠（暫譯）的作品是對後人類／多物種倫理的探索，藝術家藉由考察得出反覆出現在不同信仰及文化中的「原型」並進行重新詮釋，從而建構出一套全新的文化體系。在《The Lullaby of the Ruins》，一名非人類角色哀悼著一塊石頭的消逝，他在廢墟般的世界以一種刻意而近乎儀式化的方式緩緩穿行，守護介於毀滅與新生之間的此地。
《The Lullaby of the Ruins》顛覆了我們對生命、意識的認知，「我想創造非人類真正參與其中的環境，自然在這裡並不是背景。」李恩珠如此描述自己的作品：它們都像獨立的生態系統，聲音、圖像、物質，如同共享同一片棲地的生物體互相交織，人與非人之間的界線在此模糊。
李恩珠1996年生於韓國，於牛津大學拉斯金藝術學院取得美術碩士學位，現往返於倫敦及首爾。目前李恩珠亦與Google藝術與文化中心協作，共同探索人工智慧及生物反饋系統的應用，目標是打造出能即時對人類心跳、呼吸、聲音做出反應的數位環境。 「讓數位環境像一個有感知能力的景觀一樣運作——它會根據人類的存在而改變內部的氛圍。」
「我想研究技術如何傾聽，而不僅僅是計算。」
Bagus Pandega
巴古斯．潘德加（Bagus Pandega，暫譯），1985年出生於印尼雅加達，現居住及工作於印尼萬隆；在他的創作脈絡中，印尼經濟史即是一部資源開採史。從16世紀讓殖民者主導的香料貿易，到現代電子業無止盡所求的鎳礦，他鎖定物質開採、運輸背後的權力關係，探索在全球化與工業化進程中，自然資源過度開發所帶來的生態斷層。
潘德加將植物、礦物與各種電子系統（如電路板、燈具、聲音播放設備等）結合成模組化裝置，其作品《Hyperpnea Green》 (2024)是一個微型循環系統，內置產自印尼的礦物與展示地點的常見植物，系統與一台製氧機和一個監測系統相連，當參觀者在作品前呼出二氧化碳時，裝置會觸發一系列回饋機制，向空間輸送氧氣。「Hyperpnea」是醫學術語，意指過度換氣／呼吸過速，換言之，當參觀者眾多時，為滿足不斷增加的氧氣需求，該系統將全速運作。《Hyperpnea Green》只在凸顯人類失控的消費增長對自然造成的負荷，也揭示有機系統和人工系統之間的相互依存關係。
Max Hooper Schneider
馬克斯．胡珀．施耐德（Max Hooper Schneider，暫譯）是名跨域藝術家，曾於哈佛大學取得景觀建築學位，其作品經常假想在人類文明廢墟中，另類生命形式萌芽的可能性——世界末日並非終結，而是新一輪代謝的開端。在後人類中心主義思維上，施耐德以他怪誕的巴洛克式科幻美學，探索蛻變、混合、衰敗、更迭的動態過程。
2025年裝置《Nightmare Machine》呈現了瑰麗卻令人不安的景象，螢光色的結晶在珊瑚礁岩上無序蔓延，與其稱那指向環境危機，毋寧說是與人類意志截然無關的生態世界：在人類消失後，工業毒素與自然交織演化，層層沉積的毒素裡，孕育了新的動植物種群。
施耐德將其作品比為「一座存在於遙遠未來的人類學博物館」，引領著我們對當下時刻的理解——或者說誤讀，藉此推測幻想中的產物所建構出的「人類世」是為何種模樣。
Dylan Chan
陳迪倫（Dylan Chan，暫譯）來自新加坡，其創作實踐遍及影像、裝置與繪畫各領域，關注家庭生活、安全感、人際關係等主題。運用攝影和拼貼技法，陳迪倫探索日常經驗中微妙且經常被忽略的地帶；對他而言，創作是重新梳理社會認同、身體在私人與公共空間可見性的過程，揭露親密關係與身份政治的隱密動態。
《Growing Pains》將「床」視為事件場所，不再僅是休憩與親密之地，標題「成長之痛」反思了身體的脆弱性，直指慾望、悲傷，以及人生各個階段自我審視的緊張感。
Anoushka Mirchandani
阿努什卡．米爾昌達尼（Anoushka Mirchandani，暫譯）出生於印度，現居舊金山，其創作聚焦移民、女性，以及美國社會所定義的「他者」所經歷的轉換，她筆下的女性形象通常是半透明的，靈感來自印度神話中的天女，象徵著在全球化背景下不斷變換的身份認同，那既意味著有別於故鄉的自由，也伴隨被迫捨棄部分自我的掙扎。
米爾昌達尼的作品從離散視角出發，審視個人歷史在融入異國社會政治環境時產生的細微張力，其作品以大膽色彩捕捉女性介於動與靜的瞬間，呈現出一種既反叛又順從、既抵抗又融入的複雜曖昧性。在以身分政治為驅動力的抽象藝術領域中，其作品仍因情感表達的清晰度而脫穎而出。
整理報導：康樂
